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LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES o Lisbeth Salander, la chica del tatuaje de dragón


Este artículo contiene spoilers que desvelan la trama y comentan el final. Los que no hayáis visto las películas y queráis descubrir el final en vivo y en directo, vedlas antes de leer este artículo.

Millenium: Los Hombres que No Amaban a las Mujeres (Män som hatar kvinnor) es una trilogía de Stieg Larsson que ha dado la vuelta al mundo y el salto a dos grandes pantallas, a la sueca y a la americana.

Las tres novelas de la saga Millenium narran la historia de Mikael Blomkvist, un famoso y polémico periodista que se ve envuelto en una investigación policiaca amateur, y de su peculiar ayudante, Lisbeth Salander, una hacker profesional considerada un peligro para sí misma y para otros, y por lo tanto completamente dependiente del Estado, legalmente al menos.

Las adaptaciones cinematográficas de la saga han convertido a la primera entrega de la trilogía en todo un culto mediático y han acentuado aún más el protagonismo absoluto de unos de los personajes más originales y auténticos que ha dado el cine (y la literatura) en años.

Habiendo leído la saga y visto tanto la adaptación sueca como la americana, es interesante hacer una comparación y destacar qué versión ha sido capaz de retratar mejor a Lisbeth Salander.

Las películas contaban con una dura tarea, la de dar vida a un personaje tan complejo y oscuro como el de Lisbeth. En la caracterización del personaje recaía el éxito del film sin duda alguna. La importancia del personaje, que aunque no lidera la trama es clarísimamente el protagonista, se pone de manifiesto en los carteles de ambas películas, separadas por dos años, en los que Lisbeth ocupa un primer y prominente plano.

(Póster de la versión sueca de 2009)                        (Póster de la versión americana de 2011)

La versión sueca de Los Hombres Que No Amaban a las Mujeres (Män som hatar kvinnor) presenta a una Lisbeth Salander profundamente intimidante. Refleja una personalidad oscura, peligrosa, terriblemente fría e incluso perversa. Algo en su aspecto, o en la interpretación de la actriz Noomi Rapace, desproveen a Lisbeth de la inmensa inteligencia con la que cuenta el personaje. También cuenta con mayor belleza que su contraparte americana. Sus facciones, aunque severas y enfadadas, son agradables y el exceso de maquillaje oscuro y de piercings no acaban de conseguir distraer al espectador de la belleza subyacente de la actriz. Es esa belleza la que también aleja la índole andrógina del personaje de Lisbeth, llevándola a un terreno declaradamente femenino. La Lisbeth sueca es más agresiva y asertiva que la americana y parece reaccionar de forma más personal a las agresiones externas: le afecta más el input ajeno de lo que cabe esperar de la Lisbeth de las novelas.

La combinación de belleza, aunque disimulada por sus elecciones estilísticas, con un temperamento más intempestivo hacen del personaje una mujer más accesible, más “del montón” – dentro de que estamos hablando de una joven adulta con problemas sociales – y sobre todo, menos etérea. Curiosamente, aunque su rostro es marcadamente femenino y hermoso, su cuerpo es muy masculino; de brazos fuertes y pectorales en lugar de pecho.

Una faceta de Lisbeth que aparece en la versión sueca y que, sin embargo no aparece en la americana, es la de hija pródiga. Lisbeth decide en un momento dado ir a visitar a su madre, que está interna en una institución mental. Parece vulnerable frente a su madre, como si por primera y única vez se sintiera fuera de lugar en su propia piel. Con sus piercings, tatuajes, pelo teñido de negro artificial, sin hijos, ni marido, parece el cuadro de un payaso triste de Leguen. En este momento, y al final del film, cuando va a buscar a Mikael, quizá para declararle su amor, es cuando Lisbeth se siente fuera del sistema.

En la adaptación americana (The Girl with the Dragon Tattoo) describen a Lisbeth antes de que podamos verla como una chica que les gusta, en la que confían, pero “distinta en todos los sentidos”. Cuando por fin se la ve, se adueña de la pantallas y es, posiblemente, exactamente lo que se espera de la versión en carne y hueso de Lisbeth Salander: de extrema delgadez y palidez, pequeña en estatura, luciendo un negro y encarado mohawk, con las cejas teñidas de un rubio tan platino que resulta blanco como su piel, y totalmente invadida de piercings y tatuajes. Su jefe dice que es la mejor investigadora que hay.

Desde el principio es muy directa y cortante, pero parece en todo momento abstraída de la conversación: no le interesa más de lo estrictamente necesario. Es muy clara en cuanto a lo involucrada que está en el caso: no le pagan para dar su opinión, simplemente para dar información. Respeta las reglas tanto para proteger al investigado como a sí misma y para demostrar a la sociedad que le rodea que es capaz de ceñirse a las reglas, aunque su trabajo sea romperlas.

En su relación con otros es discreta, cauta, inteligente, pero resulta punzante si se le provoca. Lo único que requiere de su contacto con otras personas es que sea rápido e indoloro. Sin preguntas, sin divagaciones. Siente total indiferencia hacia la etiqueta y las convenciones sociales: simplemente no piensa acatarlas.

Sin embargo, al igual que la Lisbeth sueca, siente compasión. No por su madre en esta versión, sino por su tutor legal. Siente grandísima tristeza cuando éste sufre un ictus y queda incapacitado. Su situación se ve agravada además porque a la tristeza de perder a su único amigo en el mundo, a la única persona que entendía que no es una incapacitada social, sino que elige un estilo de vida diferente, se suma la asignación de un nuevo tutor legal. Su nuevo tutor se aprovecha de ella, abusando de su poder para conseguir favores sexuales a cambio de dejarle limitadísimas libertades financieras con su propio dinero. La trata como a una enferma mental y abusa de su poder sobre ella para violarla de la forma más degradante e inhumana posible.

Aún habiendo sufrido semejante degradación física y mental, Lisbeth tiene la cabeza fría y le tiende una trampa, sacrificándose y teniendo que someterse al peor sufrimiento de su vida. Paga al tutor con su misma medicina, introduciéndole un objeto en el recto. Le dicta despacio sus condiciones y le amenaza con matarle si vuelve a acercarse a una sola chica. Además, y a modo de “cherry on top” le tatúa en su enorme tripa una frase para que cualquiera que le vea el torso desnudo sepa lo asqueroso y enfermo que está: “Soy un cerdo sádico y violador”. Durante su venganza lleva aún más maquillaje de lo habitual: lleva los ojos pintados como si llevara una máscara de justiciera. Se asegura de volver hasta él, de visitarle, para asustarle y mantenerle siempre a raya; y lo consigue.

Después de la venganza se dirige a una discoteca donde se enrolla con una chica. La bisexualidad de Lisbeth parece más un resultado de una necesidad imperiosa de ser querida, respetada y tratada con humanidad que de una orientación sexual hacia mujeres per sé. Es evidente que Lisbeth no es lesbiana, puesto que se enamora de Mikael, pero necesita sentirse segura y querida en la intimidad. Lisbeth adopta una bisexualidad de supervivencia emocional.

Cuando Mikael le ofrece la posibilidad de colaborar con él en la investigación de Harriet, acepta el trabajo por dos motivos: porque conoce a Mikael en profundidad y se fía de él, y porque el trabajo consiste en encontrar a un asesino de mujeres.

Además de hacker es investigadora de campo, es decir, que trabaja online y offline, y no deja rastro ni en un campo ni en el otro. Además, por frágil que parezca debajo de su ingente cantidad de maquillaje negro, pelea hasta el final, por ejemplo en el metro para evitar que unos macarras le roben la mochila con su ordenador. Lisbeth es, en muchos aspectos, una especie de antihéroe: una heroína muy a su pesar. Es excelente en su trabajo y va descubriendo la historia de cada mujer asesinada como si se trataran de piezas de un puzle.

Acaba acostándose con Mikael después de que a éste le disparen porque le ve casi como a un niño que se ha hecho daño: por primera vez ella es la fuerte, la que puede darle seguridad y cariño a un hombre que la necesita y que resulta totalmente inofensivo.

Gracias a su investigación, Lisbeth averigua que Martin es el asesino de mujeres y debe salvar a Mikael de sus garras. La lucha entre Lisbeth y Martin empieza con un golpe que le asesta Lisbeth en la nuca para liberar a Mikael y prosigue con una persecución a oda velocidad por la tortuosa y nublada carretera de la costa sueca. Ella le persigue y consigue acorralarle. Antes de que Lisbeth pueda ejecutar a Martin, su coche explota y él muere en la explosión.

Como en el caso de la venganza a su violador, Lisbeth vuelve a encontrarse en una situación de inferioridad física, pero en enfrenta al asesino sin miedo y con gran odio. Durante ambas situaciones Lisbeth se convierte en David y se enfrenta con los Goliaths que se le van poniendo delante, saliendo victoriosa siempre gracias a su persistencia y a su valor.

Sin peligro, y con la investigación de Harriet resuelta, lo que queda para Lisbeth es una profunda conexión con Mikael. Le considera su único amigo, e incluso llega a pedirle dinero, situación que le horripila ya que le crea dependencia, pero sabe que puede fiarse de Mikael y le asegura que él puede fiarse de ella y que recuperara el dinero.

Lisbeth llega a enamorarse de Mikael y le personaliza un regalo muy especial, pero cuando va a entregárselo le ve con su amante, la co-editora de la revista Millenium. Deja caer una lágrima, arroja la chaqueta al suelo, se monta en su moto y huye de la escena. De nuevo, el film hace referencia a su faceta de heroína, en esta escena caracterizándola como a una protagonista western, como a una llanera solitaria alejándose en su caballo metálico hacia nuevos retos.

Lisbeth comparte trama con dos mujeres más, que aunque no se acercan lo más mínimo ni en complejidad ni en interés a Lisbeth, resultan a lo mejor más reales, e igualmente necesarias para el desarrollo de la historia.

Una de ellas es Erika Berger, co-editora de la revista Millenium y amante de Mikael. Es una mujer atractiva y con éxito, libre y espontánea. Está casada pero en una especie de “matrimonio libre” ya que su marido es plenamente consciente de que Mikael es amante de su mujer, y lo acepta como algo perfectamente normal. Es inteligente, y encaja en el personaje de “ejecutiva agresiva” aunque con un gran corazón y con una tendencia protectora hacia Mikael. Lisbeth siente que es la amante “legítima” de Mikael, y que, por lo tanto, no puede competir con ella.

La segunda es Harriet que, aunque aparece en ambos films muy brevemente al final, es el motor de la trama y la razón para que los personajes interactúen. Henrik Vanger, el responsable de contratar a Mikael para que investigue la desparición, la describe como “la mejor combinación posible en una persona: curiosa, inteligente y bella por dentro y por fuera”. Pero Harriet es mucho más que eso, es el prototipo de mujer que Lisbeth desea proteger y salvar. La violaba primero su padre y después su hermano, pero no se resignó a ser una víctima, así que mató a su padre y huyó a Australia (en la novela y en la versión sueca, en la versión americana cambian ligeramente el destino de Harriet).

Además de los tremendos personajes femeninos, muy especialmente el de Lisbeth, es importante recalcar que toda la historia gira en torno a mujeres que se han visto violadas de alguna forma por los hombres de su entorno, y sus acciones para no solamente sobrevivir, sino castigarlos y, como si se trataran de un fénix, resurgir de sus cenizas más fuertes que nunca.

Mi valoración personal de las películas, cuál es mejor, se inclina por la americana, por su pristina caracterización de Lisbeth. Sin embargo, la sueca es más fiel con el personaje de Harriet y por lo tanto con la resolución de la trama. Recomendaría la versión americana para los que no conozcan el personaje de Lisbeth, y para los que han leído la novela, recomendaría ver ambas y que decidan por sí mismos qué versión hace más justicia a la novela (y que me lo cuenten!)

Maria

¿Quién quiere ser Erin Brockovich? – Seminario de Cine y Antropología


La Universidad San Pablo CEU de Madrid ha organizado un seminario sobre antropología y cine, en el que las profesoras Ana Lanuza y Larissa López Delgado hablan de las mujeres en el cine como una clave para comprender la historia.

En solo cuatro sesiones repartidas en un mes, las profesoras desmenuzan el desarrollo histórico y social de la mujer durante el siglo XX y el reflejo cinematográfico de los cambios que sufre el concepto mismo de feminidad, mujer y familia.

La Mujer del Fotograma ha podido disfrutar ya de las dos primeras sesiones, y recomienda mucho las siguientes. Os detallamos el programa y la ubicación de las charlas para que los que estéis interesados podáis ir a escucharlas ¡Están abiertas al público general y son gratuitas!

  • Sesión 1: ¿Por qué es importante estudiar a la mujer? Contextualización histórica. 18 abril 2012. Ana Lanuza.


  • Sesión 2: Cine Clásico Americano: Principales Iconos Femeninos. 18 abril 2012. Ana Lanuza.

     

  • Sesión 3: El Cine de los 70, 80 y 90. Mujer y Revolución Sexual. 25 abril 2012. Larissa López Delgado.

     

  • Sesión 4: Modelos Femeninos en el Cine Actual ¿Responden a la Realidad? 9 mayo 2012. Ana Lanuza.

Las charlas se imparten a las 12h30 en el Salón de Actos del Colegio Mayor San Pablo, en la calle Isaac Peral, 58 (el metro más cercano es Metropolitano).

¡Esperamos veros a muchos por allí!

Maria

Kinepolis – Ladies & the Movies 2012


Como otros años, Kinépolis Madrid vuelve a organizar su evento único: ¡cine solo para chicas! Ladies & the Movies 2012 es un evento que nos encanta, ya que reúne a mujeres alrededor de un preestreno pensado especialmente para ellas, y acompaña el encuentro con un cóctel, sorpresas y regalos.

Es una noche en la que la mítica alfombra roja se torna rosa, y en la que podemos disfrutar de una noche de chicas al más puro estilo de Hollywood. El evento es el jueves 19 de abril en el cine Kinépolis de Madrid. Empieza a las 21h00 y la proyección de la película a las 22h00. Puedes comprar las entradas aquí.

La Mujer del Fotograma estará seguro, ¡esperamos verte por allí!

Maria

Frases Perennes de Mujeres Atemporales: Las 20 Mejores Frases (dichas por mujeres) del Cine


Este artículo está dedicado al cine en general, y particularmente a los guionistas que consiguen escribir obras maestras y a las actrices que hacen de esos guiones hitos cinematográficos.
 
Hemos ordenado las veinte frases por orden cronológico, no por orden de relevancia o impacto social. Las hemos elegido como “mejores” además personalmente, de entre todas las grandes frases del cine, para intentar incluir todas las épocas, todos los géneros, y todos los tipos de personajes femeninos. Incluimos algún guiño al cine en sí, y a la mujer, por supuesto. Esperamos que disfruteis con el recopilatorio y que os sugiera películas que hay que ver (si no las habéis visto ya).
 
 
El formato del listado es el siguiente:
#.  TÍTULO DE LA PELÍCULA (Título original, si difiere del título en español) – Año de estreno de la película, Personaje que dice la frase (Actriz que interpreta al personaje)
“Cita en español”
(VO: “Cita en versión original” con link a la escena en la que se pronuncia la frase)
Link a la escena en la que se pronuncia la frase
 

1ANNA CHRISTIE – 1930, Anna Christie (Greta Garbo)
“Ponme un whisky y el ginger ale aparte; y no seas tacaño, cariño”
(VO: “Gimme a whiskey, ginger ale on the side. And don’t be stingy, baby”)

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2. LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (Gone With the Wind) – 1939, Scarlett O’Hara (Vivien Leigh)
“¡A Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre!”
(VO: “As God is my witness, I’ll never be hungry again”)

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3. EL MAGO DE OZ (The Wizard of Oz) – 1939, Dorothy Gale (Judy Garland)
“No hay lugar como el hogar” o “Se está mejor en casa que en ningún sitio”
(VO: “There’s no place like home”)

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4. CASABLANCA – 1942, Ilsa Lund (Ingrid Bergman)
“Tócala, Sam. Toca ‘Según pasa el tiempo’”
(VO: “Play it, Sam. Play ‘As Time Goes By’”)

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5. TENER Y NO TENER (To Have and Have Not) – 1944, Marie “Slim” Browning (Lauren Bacall)
“Sabes silbar, ¿verdad Steve? Simplemente junta tus labios y… sopla”
(VO: “You know how to whistle, don’t you, Steve? You just put your lips together and blow”)

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6. EVA AL DESNUDO (ALL ABOUT EVE) – 1950, Margo Channing (Bette Davis)
“Abróchense los cinturones. Esta va a ser una noche movidita”
(VO: “Fasten your seatbelts. It’s going to be a bumpy night”)

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7. EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (Sunset Boulevard) – 1950, Norma Desmond (Gloria Swanson)
“Muy bien Sr. DeMille, estoy preparada para mi primer plano”
(VO: “All right, Mr. DeMille, I’m ready for my close-up”)

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8. LOVE STORY – 1970, Jennifer Cavilleri Barrett (Ali MacGraw)
“El amor significa no tener que decir nunca ‘lo siento’”
(VO: “Love means never having to say you’re sorry”)

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9. KLUTE – 1970, Bree Daniel (Jane Fonda)
“Porque cuando eres prostituta, lo controlas, por eso. Porque alguien te desea, y durante una hora, soy la mejor actriz del mundo”
(VO: “Because when you’re a call girl, you control it, that’s why. Because someone wants you… and for an hour …I’m the best actress in the world”)

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10. POLTERGEIST – 1972, Carol Anne Freeling (Heather O’Rourke)
“Ya están aquí”
(VO: “They’re here!”)

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11. GREASE – 1978, Sandy (Olivia Newton-John)
“¿Estás disponible, nene?”
(VO: “Tell me about it, stud”)

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12. FUEGO EN EL CUERPO (Body Heat) – 1981, Matty Walker (Kathleen Turner)
“No eres muy listo, ¿verdad? Me gusta eso en un hombre”
(VO: “You’re not too smart, are you? I like that in a man”)

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13. CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY (When Harry met Sally) – 1989, Older Woman Customer (Estelle Reiner)
“Tomaré lo mismo que ella”
(VO: “I’ll have what she’s having”)

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14. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (The silence of the lambs) – 1991, Clarice Starling (Jodie Foster)
“Corderos. Los corderos gritaban”
(VO: “Lambs. They were screaming”)

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15. THELMA & LOUISE – 1991, Thelma (Geena Davis)
“Buenos días, damas y caballeros: esto es un asalto. Ahora, si nadie pierde la cabeza, nadie perderá la cabeza”
(VO: “Good morning everybody, this is a robbery. Now if nobody loses their head, nobody will lose their head”)

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16. JERRY MAGUIRE – 1996, Dorothy Boyd (Renée Zelwegger)
“Me tenías con el ‘hola’”
(VO: “You had me at ‘hello'”
)

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17. SCREAM – 1996, Sidney Prescott (Neve Campbell)
“Asesino: Te gustan las películas de terror?
Sidney Prescott: ¿Por qué? Todas son iguales. Un estúpido asesino acecha a una chica de grandes pechos, mala actriz, y que siempre sube por la escalera corriendo en lugar de escapar por la puerta. Es insultante”
(VO: “- Phone Voice: Do you like scary movies?
– Sidney Prescott: What’s the point? They’re all the same. Some stupid killer stalking some big-breasted girl who can’t act who is always running up the stairs when she should be running out the front door. It’s insulting”
)

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18. FIGHT CLUB – 1999, Marla Singer (Helena Bonham Carter)
Narrador: Cuando la gente piensa que te estás muriendo, realmente, realmente te escuchan, en lugar de solo…
Marla: ¿En lugar de solo esperar su turno para hablar?
(VO: “Narrator: When people think you’re dying, they really, really listen to you, instead of just…
Marla Singer:  instead of just waiting for their turn to speak?”
)

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19. MATRIX– 1999, Trinity (Carrie-Anne Moss)
“Esquiva esto”
(VO: “Dodge this”)

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20. LA SEÑAL (The Ring) – 2002, Samara Morgan (Daveigh Chase)
“Siete días”
(VO: “Seven days”)

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Maria y Lucía

UN DIOS SALVAJE o Lo Humano y Lo Absurdo


El nuevo film de Polanski, Un Dios Salvage (Carnage) es una curiosa adaptación cinematográfica de la novela de Yasmina Reza Le Dieu du Carnage. En ella se refleja la ética, la hipocresía, la moralidad y los valores humanos, conservando en cierto modo el efecto de escenario para mejor representar el absurdo.

En todo el film solo aparecen cuatro personajes; dos parejas, dos hombres y dos mujeres. El hijo de la primera pareja ha pegado al hijo de la segunda con un palo, haciéndole perder un diente. Los cuatro se reúnen para intentar resolver el problema como adultos civilizados. La clave está en “adultos civilizados”.

Penelope Longstreet (Jodie Foster) es la madre de la víctima, una defensora de los derechos humanos en África y gran denunciadora de las atrocidades que los humanos permitimos que sucedan todos los días en cualquier rincón del mundo. Durante la película es ella la razón por la que las dos parejas se tiran horas juntos, odiándose, en el salón de los Longstreet, ya que ella defiende un humanismo voluntario y generoso, mientras que los otros tres son mucho más cínicos en cuanto a la naturaleza humana se refiere. Penelope llega a perder los estribos porque no consigue entender cómo el Sr. Cowan puede ser tan ruin y tan visceral con su visión hobbiana del mundo, y aplicar homo homini lupus hasta a un par de niños de 11 años.

Nancy Cowan (Kate Winslet) es la madre del perpetrador del golpe, o del “criminal”. Intenta ser sutil y conciliadora, con un aire de superioridad y mirada estricta, hasta que la tensión y la disparidad de opiniones entre unos y otros le supera y simplemente se ríe de la exagerada valoración de la humanidad de Penelope y de la despreciable mezquindad de su propio marido.

Nancy y Penelope comparten momentos de rivalidad y momentos en los que se sienten unidas, sobre todo contra sus maridos.

Ambos personajes van mutando, sobre todo el de Nancy, y revelando su propia visión sobre la moralidad, los valores humanos, los motivos y las agendas, las actitudes públicas y las hipocresías, y la felicidad. El film es un drama presentado como comedia absurda que consigue entretener al espectador para distraerle y que no sé dé cuenta de que ha de plantearse cuestiones tan rotundas y graves como las que se plantean los personajes de la película.

Maria

LONDON BOULEVARD o El Porqué de la mujer en el cine


El film London Boulevard, de William Monahan, es un film que nos interesa en La Mujer del Fotograma por el comentario que hace la protagonista, Charlotte (Keira Knightley).

Charlotte es una famosísima actriz británica – de hecho, Keira Knightley hace de una versión recluída de sí misma en el film- que vive aislada en una inmensa mansión, sola con su viejo amigo y guardaespaldas Jordan (David Thewlis), oculta de los paparazzi que la acosan cuales buitres.

Cuando le explica al chico malo-pero-bueno Mitchel (Colin Farrel) por qué dejó su carrera como actriz para vivir huyendo de la atención del público y ocultándose entre cortinas, Charlotte explica que en el cine, las mujeres solo sirven para dos cosas: para darle una excusa al héroe de hablar de sí mismo en pantalla, dando introspección al espectador; o para desnudarse.

Os dejo con la reflexión que pronuncia la actriz que hace de actriz y habla de las actrices.

Maria

LA SEMILLA DEL DIABLO o La Vulnerabilidad de la Inocencia


La semilla del Diablo (Rosemary’s Baby) es un gran film de culto de Roman Polanski protagonizado por la icónica Mia Farrow.

Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) es exactamente la personificación de la dulzura e inocencia femeninas. Es una chica joven, recién casada y totalmente enamorada de su nuevo marido, un actor medianamente famoso de teatro a quien ella admira profundamente. Es delgadita y pequeñita, rubia, con enormes ojos claros y sonrisa perenne.

Se muda junto a su marido a un antiguo y precioso apartamento en un edificio frente a Central Park, habitado solo por ancianos que llevan toda la vida viviendo allí. Desde el primer momento, sus vecinos de enfrente, Minnie y Roman Castevet,  se muestran demasiado acogedores. Se entrometen en la vida de pareja de Rosemary y aprovechan cualquier excusa para entrar en su casa.

Lo que ella más desea es tener un bebé, pero su marido necesita centrarse en su carrera como actor, la cual no parece despegar del todo. De repente, el actor que le había arrebatado el papel a su marido sufre una ceguera repentina y el papel pasa a su marido. Ante la perspectiva de mejorar su situación profesional, los Woodhouse deciden tener un bebé y para ello reservan una noche en la que cenar los dos a la luz de las velas y continuar la romántica velada en el dormitorio.

Rosemary, feliz e ilusionada, se arregla y prepara una preciosa cena, que sus vecinos intentan compartir. El vino parece sentarle mal y se desmaya. Durante la noche sufre unas terroríficas y sumamente realistas pesadillas en las que un ser demoníaco la viola. A la mañana siguiente, se despierta con marcas de arañazos por el cuerpo y su marido le dice que aunque estuviera desmayada tuvo que aprovechar la ocasión para que se quedara embarazada.

Rosemary se queda embarazada pero pronto su felicidad se convierte en horror cuando su embarazo empieza a consumirla física y psíquicamente. Sus entrometidos vecinos viven prácticamente con ella y se ocupan de prepararle brebajes para mejorar su embarazo, aunque los dolores que siente son cada vez peores.

Durante toda la película, la inocencia y felicidad de Rosemary juegan en su contra y acaban desapareciendo dejando paso al dolor y la paranoia. Sus ancianos y perversos vecinos controlan su vida y su marido le hace creer que está perdiendo el juicio por culpa de las hormonas del embarazo. Su feminidad hace que se doblegue ante él y no se imponga. Es vulnerable ante su marido, ante sus vecinos, y ante su médico. Se fía de todos ellos e incluso cuando pierde la confianza no es capaz de rebelarse y escapar, ni siquiera por su bebé.

Finalmente, cuando el bebé nace y se desvela que sus vecinos son miembros de una milenaria secta que adora a Satán y que el bebé es el hijo del Diablo, Rosemary queda en shock pero acepta el destino del bebé porque le controla su instinto materno y las ganas de ser madre.

El personaje de Rosemary representa, de forma caricatural y extrema, a las mujeres de los años 60. Hoy en día, el personaje de Rosemary no despierta compasión entre las mujeres más jóvenes ya que no podemos sentirnos identificadas con un personaje tan doblegado ante la presión externa y tan débil, cuya única revelación es un corte de pelo masculino del cual se arrepiente al ver que a su marido no parece complacerle. Rosemary es un personaje que se deja llevar por un sentimiento de pertenencia en un rol social determinado y arcaico.

Maria

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