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Archive for the ‘Iconos clásicos’ Category

El Buque de los Sueños


Una película que trata realidad y ficción, historia y amor. Una película que bajo ningún concepto te puedes perder. Una de las grandes de Hollywood y de James Cameron. Una magnífica obra de arte. Una preciosa banda sonora. Unos reconocidos y jóvenes actores. Una de las más bonitas historias de amor.

Titanic

Titanic, estrenada en 1997, dirigida y escrita por James Cameron es una de las grandes películas de la historia. Un film precioso en el que dos jóvenes de distintas clases sociales se enamoran en el buque de los sueños, el Titanic.

El Titanic fue un trasatlántico inglés de lujo, el más grande de aquella época y el primero de su género. El mismo barco que se había concebido para que ni un dios pudiera hundirlo. Llevaba a los viajeros hacia América desde Inglaterra. Se hundió en su viaje inaugural, en 1912 al chocar contra un iceberg que le causó la muerte a unas 1500 personas. Una de las grandes catástrofes de la historia que se recordará siempre.

Si tú saltas, yo salto

Aunque el film está enmarcado por un contexto histórico dramático y real, la esencia del film es una historia de amor. Cameron cuenta en su película una de las más bonitas historias de amor del cine, la de Rose Dewitt Bukater (Kate Winslet) y Jack Dawson (Leonardo Dicaprio), dos jóvenes cuyos caminos se cruzan en el barco.

Rose embarca en primera clase en el Titanic rumbo a América con su madre, Ruth Dewitt Bukater, y con su prometido, Caledon Hockley (Billy Zane). Jack consigue subirse con billetes de tercera clase para volver a su país gracias a una afortunada mano de póquer. A Rose le espera una gran boda, riqueza, comodidad para su madre y una profunda infelicidad. A Jack le espera lo que el destino decida, siempre haciendo que su día cuente. Rose, chica de diecisiete años de clase alta, dominada, perdida e infeliz. Jack, joven de clase baja, positivo, lleno de vida, feliz y capaz de transmitir alegría a aquellos que le rodean. Dos mundos opuestos pero irresistiblemente compatibles.

Se conocen abordo del buque y de un certero flechazo se enamoran. Viven en tan solo unos días una preciosa historia de amor de las que nos hacen sonreír, llorar, sentir y dejarnos llevar para entrar en la época, la historia y sumergirnos por completo en el film.

Él me salvó, en todos los sentidos en los que se puede salvar a una persona

Rose es una mujer excepcionalmente valiente, fuerte y madura. Sus cualidades están escondidas bajo esa belleza y elegancia que la hacen parecer solo una chica educada, callada y obediente, aunque en su más profundo ser está llena de una gran tristeza, ansiedad y hastío.

Al conocer a Jack, se cataliza y revela la evolución del personaje femenino protagonista del film y su verdadero carácter: una mujer apasionada, valiente, fuerte, que llena la pantalla. Capaz de ser feliz y alegre. Capaz de disfrutar y vivir la vida. Capaz de dejarlo todo por amor.

Con Cal, su prometido, tiene riqueza y comodidad: seguridad tanto para ella como para su madre. Con Jack tiene felicidad y amor. En un principio, al ser una mujer responsable y no querer dejar a su madre abandonada en la pobreza, decide quedarse con Cal. No pasa mucho tiempo hasta que cambia de opinión y decide vivir la vida junto a la persona de la que se ha enamorado.

Jack, el eterno soñador y vividor. Disfruta de la vida sabiendo que esta puede acabar en cualquier momento, a la carpe diem. Un gran personaje, lleno de fuerza, amabilidad y libertad, que influye en Rose para que ella sea feliz y salga del mundo en el que está atrapada. Un hombre que la salva en todos los aspectos en los que se puede salvar a alguien.

El personaje de Rose es distinto a otros de los que he tratado en antiguos artículos pues cambia y saca lo mejor de ella al conocer a Jack. Gracias a él, le da una nueva perspectiva a la vida y se da cuenta de que su existencia no tiene por qué estar llena de lujo y comodidad y vacía de sentido, sino completa a través del amor y la felicidad inmaterial.

Dos mujeres , dos épocas

Ruth, la madre de Rose es inteligente y dañina, observadora y perversa. Obsesionada por completo con su estatus social, quiere que su hija le dé la tranquilidad y la comodidad de la riqueza que supone su matrimonio con Cal. Al dejarle su marido sin nada al morir decide aprovecharse del último recurso que le queda, su joven hija.

Ruth pertenece a una época distinta en la que los matrimonios eran por conveniencia, nunca por amor. Sin embargo, Rose, que vive su adolescencia en los comienzos de siglo XX, tiene una mentalidad distinta, abierta, moderna: le gusta el arte, la pintura, la libertad, la vida del pensamiento que trasciende lo estrictamente material. El sufragio universal femenino abrió puertas para la mujer que se encontraban hasta entonces en territorio exclusivamente masculino. Aunque despacio, las mujeres de la época empezaban a explorar sus nuevas posibilidades. Las mujeres empezaban a fumar, beber, practicar deporte y luchar por sus derechos.

No obstante, Rose estaba limitada por la mentalidad cerrada y conservadora de su madre. Pero precisamente es un hombre, Jack, el que rompe las barreras que su madre le impone.

La obra maestra de 1997

La adaptación es impoluta. Los decorados son increíbles. El vestuario despampanante: trajes de época que causan sensación, elegancia pura, la moda de comienzos de siglo. James Cameron llevó esta historia a la gran pantalla de una forma espectacular. Los decorados y el vestuario, añadidos a la excepcional y emocionante banda sonora, la fotografía con un toque de distinción, los efectos especiales – innovadores para la época – y la profesional actuación de sus protagonistas hace que los espectadores nos adentremos en la historia, nos traslademos a 1912 y nos embarquemos en el Titanic.

La obra fue la gran triunfadora de los Óscar en 1997. Fue nominada a catorce Óscar de los cuales ganó once: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Banda Sonora (de Celine Dion), Mejor Canción Original, Mejor Dirección de Arte, Fotografía, Diseño de Vestuario, Mejores Efectos Visuales, Mejor Montaje, Mejor Sonido y Mejor Edición de Sonido, convirtiéndose en la segunda película más nominada y galardonada de la historia, después de Ben-Hur y seguida por El Señor de los Anillos. Destaca la merecida nominación de la gran actriz Kate Winslet por su actuación única.

El director, James Cameron, la ha llevado de nuevo al cine este año, 2012, en el centenario de la tragedia, y esta vez en 3D; el film no ha tenido el mismo éxito que en 1997. Sin embargo, las más seguidoras y fanáticas del film (como yo) fuimos a verla y a disfrutarla en la gran pantalla como si fuera la primera vez (las más jóvenes incluso por primera vez en el cine).

Viaja un siglo atrás en el tiempo, sueña, disfruta, enamórate y déjate llevar; adéntrate en el buque de los sueños y vive la historia con los protagonistas. Un film único, histórico, la obra maestra de James Cameron y, sobre todo, una gran experiencia que nos hace disfrutar de una maravillosa trama que te hará emocionarte como nunca. Si eres de los pocos que no la ha visto, vela porque ¡merece la pena!

El tráiler del film en 3D:

Silvia

Frases Perennes de Mujeres Atemporales: Las 20 Mejores Frases (dichas por mujeres) del Cine


Este artículo está dedicado al cine en general, y particularmente a los guionistas que consiguen escribir obras maestras y a las actrices que hacen de esos guiones hitos cinematográficos.
 
Hemos ordenado las veinte frases por orden cronológico, no por orden de relevancia o impacto social. Las hemos elegido como “mejores” además personalmente, de entre todas las grandes frases del cine, para intentar incluir todas las épocas, todos los géneros, y todos los tipos de personajes femeninos. Incluimos algún guiño al cine en sí, y a la mujer, por supuesto. Esperamos que disfruteis con el recopilatorio y que os sugiera películas que hay que ver (si no las habéis visto ya).
 
 
El formato del listado es el siguiente:
#.  TÍTULO DE LA PELÍCULA (Título original, si difiere del título en español) – Año de estreno de la película, Personaje que dice la frase (Actriz que interpreta al personaje)
“Cita en español”
(VO: “Cita en versión original” con link a la escena en la que se pronuncia la frase)
Link a la escena en la que se pronuncia la frase
 

1ANNA CHRISTIE – 1930, Anna Christie (Greta Garbo)
“Ponme un whisky y el ginger ale aparte; y no seas tacaño, cariño”
(VO: “Gimme a whiskey, ginger ale on the side. And don’t be stingy, baby”)

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2. LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ (Gone With the Wind) – 1939, Scarlett O’Hara (Vivien Leigh)
“¡A Dios pongo por testigo que jamás volveré a pasar hambre!”
(VO: “As God is my witness, I’ll never be hungry again”)

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3. EL MAGO DE OZ (The Wizard of Oz) – 1939, Dorothy Gale (Judy Garland)
“No hay lugar como el hogar” o “Se está mejor en casa que en ningún sitio”
(VO: “There’s no place like home”)

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4. CASABLANCA – 1942, Ilsa Lund (Ingrid Bergman)
“Tócala, Sam. Toca ‘Según pasa el tiempo’”
(VO: “Play it, Sam. Play ‘As Time Goes By’”)

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5. TENER Y NO TENER (To Have and Have Not) – 1944, Marie “Slim” Browning (Lauren Bacall)
“Sabes silbar, ¿verdad Steve? Simplemente junta tus labios y… sopla”
(VO: “You know how to whistle, don’t you, Steve? You just put your lips together and blow”)

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6. EVA AL DESNUDO (ALL ABOUT EVE) – 1950, Margo Channing (Bette Davis)
“Abróchense los cinturones. Esta va a ser una noche movidita”
(VO: “Fasten your seatbelts. It’s going to be a bumpy night”)

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7. EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (Sunset Boulevard) – 1950, Norma Desmond (Gloria Swanson)
“Muy bien Sr. DeMille, estoy preparada para mi primer plano”
(VO: “All right, Mr. DeMille, I’m ready for my close-up”)

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8. LOVE STORY – 1970, Jennifer Cavilleri Barrett (Ali MacGraw)
“El amor significa no tener que decir nunca ‘lo siento’”
(VO: “Love means never having to say you’re sorry”)

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9. KLUTE – 1970, Bree Daniel (Jane Fonda)
“Porque cuando eres prostituta, lo controlas, por eso. Porque alguien te desea, y durante una hora, soy la mejor actriz del mundo”
(VO: “Because when you’re a call girl, you control it, that’s why. Because someone wants you… and for an hour …I’m the best actress in the world”)

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10. POLTERGEIST – 1972, Carol Anne Freeling (Heather O’Rourke)
“Ya están aquí”
(VO: “They’re here!”)

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11. GREASE – 1978, Sandy (Olivia Newton-John)
“¿Estás disponible, nene?”
(VO: “Tell me about it, stud”)

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12. FUEGO EN EL CUERPO (Body Heat) – 1981, Matty Walker (Kathleen Turner)
“No eres muy listo, ¿verdad? Me gusta eso en un hombre”
(VO: “You’re not too smart, are you? I like that in a man”)

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13. CUANDO HARRY ENCONTRÓ A SALLY (When Harry met Sally) – 1989, Older Woman Customer (Estelle Reiner)
“Tomaré lo mismo que ella”
(VO: “I’ll have what she’s having”)

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14. EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (The silence of the lambs) – 1991, Clarice Starling (Jodie Foster)
“Corderos. Los corderos gritaban”
(VO: “Lambs. They were screaming”)

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15. THELMA & LOUISE – 1991, Thelma (Geena Davis)
“Buenos días, damas y caballeros: esto es un asalto. Ahora, si nadie pierde la cabeza, nadie perderá la cabeza”
(VO: “Good morning everybody, this is a robbery. Now if nobody loses their head, nobody will lose their head”)

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16. JERRY MAGUIRE – 1996, Dorothy Boyd (Renée Zelwegger)
“Me tenías con el ‘hola’”
(VO: “You had me at ‘hello'”
)

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17. SCREAM – 1996, Sidney Prescott (Neve Campbell)
“Asesino: Te gustan las películas de terror?
Sidney Prescott: ¿Por qué? Todas son iguales. Un estúpido asesino acecha a una chica de grandes pechos, mala actriz, y que siempre sube por la escalera corriendo en lugar de escapar por la puerta. Es insultante”
(VO: “- Phone Voice: Do you like scary movies?
– Sidney Prescott: What’s the point? They’re all the same. Some stupid killer stalking some big-breasted girl who can’t act who is always running up the stairs when she should be running out the front door. It’s insulting”
)

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18. FIGHT CLUB – 1999, Marla Singer (Helena Bonham Carter)
Narrador: Cuando la gente piensa que te estás muriendo, realmente, realmente te escuchan, en lugar de solo…
Marla: ¿En lugar de solo esperar su turno para hablar?
(VO: “Narrator: When people think you’re dying, they really, really listen to you, instead of just…
Marla Singer:  instead of just waiting for their turn to speak?”
)

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19. MATRIX– 1999, Trinity (Carrie-Anne Moss)
“Esquiva esto”
(VO: “Dodge this”)

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20. LA SEÑAL (The Ring) – 2002, Samara Morgan (Daveigh Chase)
“Siete días”
(VO: “Seven days”)

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Maria y Lucía

LA SEMILLA DEL DIABLO o La Vulnerabilidad de la Inocencia


La semilla del Diablo (Rosemary’s Baby) es un gran film de culto de Roman Polanski protagonizado por la icónica Mia Farrow.

Rosemary Woodhouse (Mia Farrow) es exactamente la personificación de la dulzura e inocencia femeninas. Es una chica joven, recién casada y totalmente enamorada de su nuevo marido, un actor medianamente famoso de teatro a quien ella admira profundamente. Es delgadita y pequeñita, rubia, con enormes ojos claros y sonrisa perenne.

Se muda junto a su marido a un antiguo y precioso apartamento en un edificio frente a Central Park, habitado solo por ancianos que llevan toda la vida viviendo allí. Desde el primer momento, sus vecinos de enfrente, Minnie y Roman Castevet,  se muestran demasiado acogedores. Se entrometen en la vida de pareja de Rosemary y aprovechan cualquier excusa para entrar en su casa.

Lo que ella más desea es tener un bebé, pero su marido necesita centrarse en su carrera como actor, la cual no parece despegar del todo. De repente, el actor que le había arrebatado el papel a su marido sufre una ceguera repentina y el papel pasa a su marido. Ante la perspectiva de mejorar su situación profesional, los Woodhouse deciden tener un bebé y para ello reservan una noche en la que cenar los dos a la luz de las velas y continuar la romántica velada en el dormitorio.

Rosemary, feliz e ilusionada, se arregla y prepara una preciosa cena, que sus vecinos intentan compartir. El vino parece sentarle mal y se desmaya. Durante la noche sufre unas terroríficas y sumamente realistas pesadillas en las que un ser demoníaco la viola. A la mañana siguiente, se despierta con marcas de arañazos por el cuerpo y su marido le dice que aunque estuviera desmayada tuvo que aprovechar la ocasión para que se quedara embarazada.

Rosemary se queda embarazada pero pronto su felicidad se convierte en horror cuando su embarazo empieza a consumirla física y psíquicamente. Sus entrometidos vecinos viven prácticamente con ella y se ocupan de prepararle brebajes para mejorar su embarazo, aunque los dolores que siente son cada vez peores.

Durante toda la película, la inocencia y felicidad de Rosemary juegan en su contra y acaban desapareciendo dejando paso al dolor y la paranoia. Sus ancianos y perversos vecinos controlan su vida y su marido le hace creer que está perdiendo el juicio por culpa de las hormonas del embarazo. Su feminidad hace que se doblegue ante él y no se imponga. Es vulnerable ante su marido, ante sus vecinos, y ante su médico. Se fía de todos ellos e incluso cuando pierde la confianza no es capaz de rebelarse y escapar, ni siquiera por su bebé.

Finalmente, cuando el bebé nace y se desvela que sus vecinos son miembros de una milenaria secta que adora a Satán y que el bebé es el hijo del Diablo, Rosemary queda en shock pero acepta el destino del bebé porque le controla su instinto materno y las ganas de ser madre.

El personaje de Rosemary representa, de forma caricatural y extrema, a las mujeres de los años 60. Hoy en día, el personaje de Rosemary no despierta compasión entre las mujeres más jóvenes ya que no podemos sentirnos identificadas con un personaje tan doblegado ante la presión externa y tan débil, cuya única revelación es un corte de pelo masculino del cual se arrepiente al ver que a su marido no parece complacerle. Rosemary es un personaje que se deja llevar por un sentimiento de pertenencia en un rol social determinado y arcaico.

Maria

Thelma y Louise


Thelma y Louise es un film de 1991 escrito por Callie Khouri y dirigido por Ridley Scott. Unas maravillosas Geena Davis (Thelma) y Susan Sarandon (Louise) en los papeles protagonistas y un viaje que las sirve a ambas para apreciar los valores de la amistad, el amor y la libertad frente a la dominación de los hombres.

Thelma es un ama de casa y esposa frustrada de Darryl, un arquetipo de hombre machista que trata a su mujer como si fuera un ser inferior y a la cual maltrata constantemente.

Ella se encuentra en la treintena, es joven y su vida es un desastre. Depende de su marido económicamente y no se atreve nunca a llevarle la contraria en cualquier tema de conversación. No obstante, ella es feliz, bella, fuerte y optimista.

Louise trabaja de camarera en una cafetería. Lleva una vida muy enloquecida y tiene problemas con su novio, Jimmy. Louise no tiene miedo al compromiso, pero su novio, siendo músico, es de los que no quiere ningún tipo de responsabilidad, compromiso ni dependencia, pues está siempre de gira.

Louise es una mujer tremendamente fuerte, seria, bella, madura e independiente. Y esas cualidades le ayudan a defenderse y a sobrevivir en un mundo de hombres.

Ambas mujeres deciden irse de fin de semana a la montaña. El plan es olvidarse de sus problemas y centrarse en unas mini-vacaciones de relax solo para mujeres. No obstante, sus planes cambian cuando Thelma conoce a un hombre en un bar de carretera que intenta abusar de ella sexualmente. Al ver esto, Louise, sin pensárselo dos veces, saca su revólver y le mata.

Es aquí cuando empieza la historia, el viaje de estas dos mujeres hacia la libertad, la huida hacia México. El incidente se puede considerar una desgracia o un milagro para estas dos mujeres atrapadas en su amargada vida rutinaria. El escapar y dirigirse hacia lo que ellas más valoran y aprecian: la libertad, es gracias a este incidente.

Este road movie no se libra de las características propias de este género: una huida, un coche, la carretera, el paisaje, un arma y dos protagonistas que intentan encontrar un resquicio de libertad en unas vidas dominadas por el mandato de género. En este tipo del films aparecen las señas de las películas del oeste: el protagonismo de la naturaleza, el sofocante calor del desierto norteamericano, el polvo, la arena, moteles baratos y el hermoso descapotable de las protagonistas.

Todos estos elementos representan una road movie. No obstante, en road movies protagonizadas por mujeres están patentes otros dos temas de vital importancia: la violencia de género y la aparición del matrimonio como forma de dominación del hombre hacia la mujer.

Estos dos temas están muy marcados en el film: Louise sufrió una violación en el pasado, mientras que Thelma proviene de un matrimonio machista en el que existe violencia y maltrato y, además, será víctima de un intento de violación en el camino.

 Aunque el film sea una road movie en toda regla, he de decir que es una película con una gran fuerza expresiva que trata sobre un viaje en busca de libertad, en busca de aquello que anhelan y que nunca han tenido, con el objetivo de encontrarse a ellas mismas y sin separarse la una de la otra en ningún momento.

Está presente a su vez el tema ‘hombre contra mujer’. Siempre tendremos a Thelma y Louise escapando de hombres, matando a hombres, robando a hombres, engañando a hombres. Veremos grandes persecuciones en las que los perseguidores son hombres que quieren hacer que ambas vuelvan a sus antiguas, pobres e injustas vidas. Por su parte, las fugitivas no pararan hasta conseguir su libertad y no hay nada que las detenga.

La cinta contiene unas características muy notables y dignas de premio: las grandes actuaciones de Sarandon y Davis, la fotografía y, sobre todo, la trama. Lo más valioso del film es su trama, el gran mensaje que contiene bajo sus líneas. El film obtuvo un merecido Óscar a Mejor Guión Original en 1992.

Este film contiene un gran mensaje para las mujeres de hoy en día: somos lo suficientemente fuertes y valientes como para no dejarnos dominar por ningún hombre y capaces de buscar la independencia y libertad por encima de todo. El film cumple con su objetivo de denunciar los malos tratos y la injusticia hacia la mujer, y lo hace sin dejar a las dos protagonistas como víctimas, sino como grandes heroínas dignas de adoración.

Dejó el tráiler para tentarte porque es una película que bajo ningún concepto te puedes perder:

-Silvia-

Grease, el fenómeno


¿Qué decir de una de las películas que ha marcado una época? Grease es un film inigualable en todos los sentidos: desde la brillante actuación de sus protagonistas como de la puesta en escena y el hecho de que se la considere como una de las grandes películas del siglo XX.

Grease es una película ambientada en los fabulosos años 50 y rodada en 1978. Está dirigida por Randall Kleiser e interpretada por John Travolta y Olivia Newton John quien debutó en el cine americano interpretando a la ingenua Sandy, la enamorada de Travolta. Sandy es, sin duda, uno de los personajes más queridos en el cine. ¿Quién no puede alguna vez imaginarse estar en el lugar de Sandy?: una chica australiana que llega a un instituto americano en donde su apariencia tan “inocente” hace que se sienta perdida, pero gracias a su amiga “Frenchie”, Sandy consigue dar un giro de 180 grados y convertirse en una persona completamente distinta.

Sandy conoció a Danny Zucko durante las vacaciones de verano, y pensando que nunca más se iban a volver a ver se despiden, pero el destino decide cruzar sus caminos de nuevo  en el instituto. Pero Sandy se da cuenta que Danny, líder de su pandilla, no es quién era en el verano. En el instituto, Danny tiene que aparentar ser otra persona, lo que lleva a la exitosa canción “summer nights” en la que cada uno da su versión de su historia de amor: Sandy, romántica empedernida, es interrogada por sus nuevas amigas acerca de ese misterioso chico: para Sandy, Danny fue alguien muy importante, fue una amor a primera vista, alguien que se preocupaba por ella. Desafortunadamente para Sandy, la versión de Danny es todo lo contrario: Danny exagera en los detalles para mantener su reputación de chico rebelde.

Sandy puede ser para algunas personas una chica convencional. Así lo demuestra la escena del film en la que las chicas de rosa (la contrapartida femenina de los Thunderbirds- grupo de Danny) se reúnen para pasar una noche de chicas y comienzan a beber vino. Sandy, toda una ingenua, no sabe que esas chicas no son como ella: a ellas les gusta el estar con chicos, fumar y beber. Por ello cuando le ofrecen a Sandy beber un vino directo de la botella no puede más que asombrarse y negarse, pero tiene que aceptar dado que las chicas comienzan a burlarse de ella. Como esta escena hay muchísimas en la película, pero el personaje de Sandy cambia radicalmente al darse cuenta de que puede perder a Danny.

Si alguien no la ha visto, no seré yo quien “destripe” ese final, en el que se percibe a que la amistad es para siempre. Quisiera animaros a todos aquellos que no han tenido ocasión de ver este film a que cambiaran de opinión y decidieran ver este increíble musical, un homenaje a la época dorada del Rock’n roll.

Grease ha ganado innumerables premios, lo cual no es de extrañar ya que es un film que será recordado eternamente. Fue nominada al Óscar en 1979 a la Mejor Canción por Hopelessly Devoted To You de Olivia Newton John. También ganó el premio a la Mejor Película Musical en los People Choice Awards en 1978.

Me gustaría con este artículo, homenajear a una de las más brillantes películas musicales de todos los tiempos.
Aquí dejo el tráiler. Espero que lo disfrutéis.

Lucía

Ángeles y demonios – Las niñas en el cine de terror


En La Mujer del Fotograma nos dedicamos a hacer un retrato de la mujer en el cine. Y no haríamos un retrato fiel si no comentáramos el papel que tienen las niñas en las películas de terror.

Los que disfruten con las películas de miedo se habrán dado cuenta de que muchos de los terroríficos protagonistas no son otros que pequeñas niñas, de apariencia angelical, pero de corazón diabólico. Como grandes representantes de estas niñas pensamos en Regan (Linda Blair), la niña de El Exorcista; Dakota Fanning en Hide and Seek; Samara (Daveigh Chase) en La Señal (The Ring); Anna Sophia Robb en La Cosecha (The Reaping); Esther (Isabelle Fuhrman) en La Huérfana (The Orphan); Drew Barrymore en Ojos de fuego (Firestarter); Jodelle Ferland en Silent Hill; la traumada adolescente Carrie…

Hicimos una encuesta entre nuestros seguidores en Facebook para saber por qué las niñas pequeñas pueden llegar a dar tanto miedo. Todas las opiniones giraban en torno a la creación de terror alrededor del concepto de contradicción: el hecho de que el mayor representante de la vida, de la felicidad, de la ternura, encarne la muerte y el horror es lo que realmente genera el terror incontrolable.

El hecho de que una cara de ángel oculte una naturaleza diabólica es profundamente simbólico: en el contexto judeocristiano, los demonios son esbirros del Ángel Caído e incluso se les puede considerar directamente ángeles caídos. Por lo tanto, la representación del mal a través de la imagen misma del bien remite a la tradición cultural de Occidente y por lo tanto se adentra en creencias y supersticiones profundas, arraigadas en el subconsciente de la audiencia, que atraviesan y perturban al espectador.

La industria cinematográfica suele usar a niños – tanto chicos como chicas – con el fin de explotar la imagen de inocencia y desestabilizar al público, pero es más común que se empleen niñas, ya que su imagen angelical puede ser aun más pronunciada que la un niño y el contraste, entre el exterior angelical y el interior perverso, aun mayor.

La contradicción se manifestó también en la encuesta en cuanto a la reacción de la audiencia a esas niñas malévolas: son personajes aparentemente vulnerables e inocentes, lo que genera en el espectador gran empatía (que más tarde lucha con la reacción de sospecha y antipatía al revelarse las intenciones del personaje).

Los encuestados estaban de acuerdo en que la explotación de la imagen de niña diabólica ayudaba a generar terror tanto visual como psíquico. Es evidente que nuestros conceptos culturales e incluso instintivos apuntan que una niña debería ser algo frágil e inocente, por lo que el terror psíquico está garantizado; pero además, al ver a niñas, en la flor de la juventud y la vida, demacradas y con aspecto cadavérico, de nuevo la información visual recibida no concuerda con la que tenemos almacenada y se genera distorsión visual, de nuevo contradicción e incluso ironía.

El romper con un estereotipo genera inestabilidad y sorpresa, lo cual juega a favor del cineasta en los films de terror. Lamentablemente, los encuestados concluían que es un recurso que ha sido explotado hasta perder su valor inicial y resultar predecible.

Por lo tanto, el recurso del personaje de niña diabólica es efectivo a diferentes niveles cognitivos y sensoriales debido a su impacto contradictorio y sorprendente, además de su concepto irónico y trágico de inocencia interrumpida. Desgraciadamente para los que adoramos el cine de terror, el recurso que generaba miedo está perdiendo sus dos claves de efectividad absoluta: la sorpresa y la inestabilidad; y remplazándolos por un guión y desencadenamiento de la historia generalmente predecible con personajes diabólicos, pero poco desarrollados.

Maria

Alice Guy: La Leyenda


Es sobrecogedor intentar relatar la historia de una mujer que es tanto un icono cinematográfico como una leyenda casi mitológica. Ante todo Alice Guy fue una pionera.

Alice Guy, francesa del siglo XIX, empezó a trabajar como secretaria de un pionero de la industria del cine, que se dedicaba a fabricar máquinas fotográficas. Fue la primera mujer en asistir a una demostración privada del nuevo invento de Louis Lumière: el antecesor de la cámara de vídeo.

Cuando su jefe, Léon Gaumont, perfeccionó el rudimentario aparato de Lumière, la joven Alice Guy – de tan solo 23 años – tuvo la idea definitiva: el aparato podría usarse para contar historias animadas, lo que el cine necesitaba era narrar. Decidió que demostraría el valor de su idea llevándola a cabo ella misma.

Fue ella la que realizó la primera película per sí de la historia del cine, lo que la convierte en el primer cineasta del mundo. Una mujer fundó el cine. La primera producción cinematográfica (en el sentido moderno de la palabra) de la historia se llamó La Fée aux Choux (El hada de las coles).

El invento de Alice tuvo tanto éxito que se encargó de la productora de Gaumont. Durante su experiencia cinematográfica dirigió y produjo más de seiscientos films de todo tipo de temáticas y géneros. Finalmente llegó a ser propietaria y directora de su propio estudio de cine Solax Company. Sigue sin haber habido otra mujer que haya estado a la cabeza de su propio estudio cinematográfico.

Como Méliès y otros muchos pioneros del cine, no tuvo el suficiente poder para poder competir con Hollywood, y en la Meca del cine no había sitio para los primeros genios del séptimo arte.

En un artículo mucho más completo que éste podéis encontrar información sobre la filmografía y biografía más completa de este titán del cine experimental.

Maria

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